Après avoir extrait hier l'expressivité à travers les valeurs de gris, place aujourd'hui à la recherche expressive via la couleur. Avec son orangé vif, la texture de son écorce granuleuse, ce potimarron dégage quelque chose de fort et je n'ai pas résisté longtemps avant de lui faire son portrait ... vivement la soupe ce soir !

La couleur est une composante de la beauté qui se suffit à elle-même. Quand on la combine avec une bonne composition, le résultat est intéressant et nul besoin de rajouter autre chose. Mais quand la couleur est ajoutée à tous les autres composantes de la beauté, alors la beauté atteint des sommets.
Andrew Loomis

>> Retrouvez moi en cours pour une sensibilisation à la beauté de la couleur !

Les 6 conseils couleur du jour :

1 C'est la couleur locale, la lumière et l'environnement qui définit la couleur d'une chose.
2 Le pouvoir chromatique des couleurs en tubes et ne permettent pas toujours de reproduire la vivacité des couleurs de la nature.
3 L'émotion, les idées préconçues, l'ignorance sont des facteurs limitant la perception de la couleur.
4 Le blanc est une couleur froide, peut être la plus froide. Ainsi en ajoutant du blanc à un mélange, celui-ci se refroidit.
5 Essayer de travailler avec la même lumière sur le sujet, la palette et la peinture.
6 Quand la lumière est chaude, les ombres sont froides et vice versa.
>> Je veux plus de conseils au sujet de la nature morte !

L'exercice du jour :

Le dailypainting est un excellent exercice pour progresser. Comme son nom l’indique, le dailypainting, c’est peindre une petite peinture par jour. Plutôt que de se lancer dans de grandes peintures complexes demandant des heures et des heures de travail, il est préférable de peindre des petites peintures simples alla prima, soit finalisées en une séance.
Peindre 10 petites peintures, c’est se confronter 10 fois aux problématiques inhérentes à la peinture.

>> Retrouvez ici une sélection de mes meilleures peintures !

La citation du jour :

Certains peintres transforment le soleil en un point jaune ; d'autres transforment un point jaune en soleil.
Pablo Picasso

Après avoir croqué des tonnes de trognes au fusain, ça fait du bien de revenir un peu à la peinture à l'huile ! A partir du 2e trimestre, la peinture est au programme du cours dirigé. Alors pour anticiper un peu les choses, j'ai peins hier la formidable chevelure de Valérie (pose d'1 heure) en nuances de gris, à la manière de Victor.

La peinture a l'huile est techniquement plus complexe que le dessin. Cette technique soulève pour l'élève de nombreuses questions :
- Quel médium choisir ?
- Comment peindre dans le frais et garder des couleurs propres ?
- Quelles brosses choisir ?
- Comment peindre plus rapidement ?
- Comment clarifier mon processus ?


>> Retrouvez moi en cours pour solutionner vos problèmes artistiques et booster votre créativité !

Les 5 réflexions du jour :

Parce ce que l'artiste peint avec son cerveau, voici une sélection des réflexions émises avant et pendant la réalisation du portrait :
1 Ne pas raconter toute l'histoire, supprimer beaucoup d'informations. L'art survient quand il n'y a rien à ajouter ou supprimer, quand le difficile devient facile.
2 L'art survient au carrefour de la clarté et de l'ambiguïté, entre concept et intuition. 
3 Le meilleur art nous étonne souvent à cause de ce que l'artiste a omis, pas à cause de ce qu'il a mis. Fournissez juste assez d'informations et laissez le spectateur imaginer le reste.
4 Il s'agit moins de copier le modèle que de chercher à le rendre intéressant.
5 Peindre simplement un sujet tout en donnant matière à interprétation.

La citation du jour :

Un atelier de peintre doit être un laboratoire. On n’y fait pas un métier de singe, on invente.
Picasso
Au programme du cours dirigé d'hier, une spéciale portrait ! Les élèves ont posé à tour de rôle et entre 2 conseils, j'ai pu croquer quelques trognes dont celle de Noël (à gauche) !

Le portrait est une thématique très appréciée qui soulève de nombreuses questions artistiques :
- Comment capturer la ressemblance ?
- La ressemblance est-elle suffisante ?
- Comment faire un portrait qui intéresserait ceux qui ne connaissent pas le modèle ?
- Comment sortir du (souvent insuffisant) faire ressemblant ?
- Faut-il être un expert en anatomie pour faire de meilleurs portraits ?
- Comment sortir de la repro de photo et développer sa créativité ?

>> Retrouvez moi en cours pour solutionner vos problèmes artistiques !

La réflexion du jour :

La peinture est-elle simplement un art d’imitation ? Non ! Elle est avant tout un art d’expression ! Aucun des grands maîtres n’a échappé à cette nécessité. Car l’âme, comme les yeux, veut être satisfaite. Les maîtres mêmes qui ont été le plus absorbés par la beauté y ont été entraînés dans la mesure de leur puissance sensitive, tout en comprenant qu’on ne doit rendre de la nature que l’esprit, que ce soit par la forme, que ce soit par l’aspect !

Il résulte de ceci que les maîtres ont donné de la nature une interprétation, non une traduction littérale. Cette interprétation fait précisément la personnalité de chacun d’eux. Sans cette particularité de la vision, il n’y a réellement point d’œuvre. C’est dire combien étaient dangereuses les écoles qui enfermaient les artistes dans un ensemble d’habitudes qui ne leur permettaient pas de développer leur sentiment propre.

Les élèves au turbin !

  
Théo fait fumer le fusain !

Le prof au chevalet !

Le step by step du jour :

Nombreux sont ceux d'entre nous qui attachent beaucoup d'importance au sujet et si peu à la composition et mise en scène. Nous fonçons tête baissée dans notre peinture sans aucune planification (...) Je souligne le fait que la production d'une meilleure peinture passe par la conception et non le sujet (...)
Je ne peux vous conseiller assez de penser, planifier en faisant des esquisses. Au moins soyez certain qu'il n'existe pas de meilleur moyen de représenter le sujet. Des esquisses rapides prennent beaucoup moins de temps que celui que vous perdez avec un mauvais départ.
>> Je veux plus de réflexions d'Andrew Loomis !
C'est un Patrick tout droit sorti d'un film de Sergio Leone qui a pris la pose hier sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant (pose de 45 min).

Pour cette séance, j'ai choisi de travailler au fusain et de réaliser un portrait.

Réaliser un portrait soulève de nombreuses questions telles que :
- Comment capturer la ressemblance ?
- Qu'est ce qui fait un bon portrait ?
- Quels sont les spécificités du portrait ?

- Dois-je être érudit en anatomie pour mieux dessiner des têtes ?
- Quel matériel utiliser ?
- Comment terminer un dessin en aussi peu de temps ?


>> Retrouvez moi en cours pour enrichir votre pratique artistique !


Les 5 conseils du jour :

Parce qu'un artiste dessine avec son cerveau, voici 5 réflexions émises durant l'exécution de ce portrait :
1 La ressemblance, c'est de la technique, ce n'est pas une finalité artistique. Représenter ne signifie pas faire ressemblant, ou pas que. Représenter signifie surtout rendre intéressant (re-présenter).
2 Un bon portrait l'est pour des raisons souvent autres que la simple restitution de l'identité du modèle ... une dessin d'identité n'est pas plus intéressant qu'une photo d'identité.
3 Une fois le modèle parti, il ne reste que le dessin. Celui-ci doit être donc intéressant pour d'autres raisons que la ressemblance dès lors que la comparaison n'a plus lieu d'être.
4 Se demander comment rendre intéressant le sujet d'abord avec les éléments du langage visuel (formes, valeurs, composition, etc.)
5 Réfléchir à comment faire un portrait (ou un paysage) qui intéresseraient ceux qui ne connaissent pas le modèle.
>> Je veux d'autres conseils dessin !

Le step by step du jour :

Savoir décomposer pour mieux composer 

De l'art plein les murs !

La citation du jour :

J’ai enfin deux portraits qui décidément sont « ressemblants ». Ce n’est pas tout, ce n’est même pas le principal.
Van Gogh

J'ai le plaisir d'annoncer l'ouverture d'un nouveau cours de dessin et peinture à la rentrée de janvier  (Paris 15e).

L'objectif du cours dirigé est de former l'élève aux techniques de représentation et de sensibiliser aux éléments du langage visuel. Il est constitué d'une série d'exercices progressifs et méthodiques permettant de progresser et de guider vers une démarche de création autonome.

>> Inscription : yhovadik@gmail.com


Il est accordé un rôle essentiel au travail d'après nature notamment à travers de nombreuses séances de modèle vivant. Le travail d'après nature permet d'approfondir l'observation et la compréhension des éléments du langage visuel tels que de la lumière, les couleurs, les valeurs ainsi que les formes.

Le cours s'adresse à tous les niveaux de compétence (débutants, initiés ou confirmés) et conviennent aux adultes comme aux adolescents.

Contenu du cours :


Apprendre à dessiner :
- Maîtriser la synthèse avec le croquis
- Approfondir la représentation avec l'étude
- Mieux connaitre les outils graphiques (papiers, graphite, fusain, pastel, feutres, encre, aquarelle, etc.)
- Sensibilisation à la ligne, la hachure, la masse, la valeur, l'estompe


Apprendre à peindre :
- Développer la justesse avec la copie
- Mieux composer avec la nature morte
- Sensibilisation à l'association, la valeur, la couleur, la texture
- Maîtriser les mélanges (couleur chair et traitement des verts)

Modèle vivant :
- Variété des modèles et des temps de pose
- Poses nues (travail du modelé) ou habillées (travail de la couleur)
- Capturer la ressemblance avec le portrait
- Pochade d'ensemble ou étude anatomique approfondi
- Sensibilisation au non finito





Infos pratiques : (prochainement)

Où ? Quand ?
Paris (15e) Janvier rentrée 2018
Horaires : 
Tarif : 
Niveaux : 
Débutants et initiés
Infos supplémentaires et inscription : 
06 60 05 22 35 ou yhovadik@gmail.com

Rejoignez moi pour enrichir votre pratique artistique !

C'est Valérie qui a pris la pose hier mercredi sur l'estrade de l'atelier de modèle vivant. Toute aussi expressive que David, Valérie a enchaîné les poses de 30 min et entre des conseils et des critiques, j'ai pu exécuter 3 dessins. Les fusains ont fumé !

>> Retrouvez moi en cours et stages pour enrichir votre pratique artistique !

Quand beaucoup rêvent d'exposer ou d'être remarqué, il est important de rappeler que l’objectif premier du peintre doit être la progression. Vouloir progresser, c’est vouloir améliorer sa pratique, c’est chercher à dessiner ou peindre toujours mieux.
Progresser ne s'obtient qu'à travers une pratique intensive. Dans l’apprentissage, la qualité vient avec la quantité. C’est par la quantité, ou la répétition des gestes, des décisions, que vient la maîtrise. Le savoir faire ne s'obtient donc qu'avec une pratique acharnée.


Ne pas oubliez de travailler la créativité ! Celle-ci se développe en sortant de son petit confort, de ce que l'on connait bien à coups de répétition. Un artiste est un chercheur qui répète pour maîtriser et approfondir, mais il est aussi un aventurier expérimentant de nouvelles voies pour enrichir sa pratique et élargir le champ des possibilités.

En art, les résultats sont à la hauteur des efforts. Bien peindre, c’est comme bien jouer du piano, c’est difficile alors cela nécessite un investissement conséquent. Il faut se donner les moyens de réussir.
>> Retrouvez mes 7 conseils pour un meilleur apprentissage ici !

La citation du jour :

Le succès n'est pas final, l'échec n'est pas fatal : c'est le courage de continuer qui compte.
Winston Churchill
Comme annoncé hier, le formidable David a repris la pose sur l'estrade du cours dirigé de dessin du mardi.

Je connais David depuis mes années d'études à l'école des beaux-arts où il prenait déjà ses poses remarquables. Avec sa barbe de moujik russe et ses poses dynamiques, David dégage une expressivité à la mesure de la sculpture de Rodin.

Au programme une série de poses de 30 min, parce qu'il s'agit du meilleur exercice pour progresser :
- Comment rendre intéressant un modèle qui n'inspire pas, que l'on ne choisit pas ? 
- Comment finir un dessin en aussi peu de temps ?
- Comment ne plus faire un dessin sale avec le fusain ?
- Comment donner de la puissance à mon dessin ?
- Comment sortir de l'insuffisant "faire ressemblant" ?

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La réflexion du jour :
Simplifier. Voici une autre raison pour laquelle il ne faut pas peindre littéralement la complexité des formes et des surfaces de la nature, mais chercher les grandes formes dans le sujet. Ainsi, nous voyons instantanément le goût, la sélection, l'inventivité dans la simplification. Une telle approche est créative et non une simple acceptation passive des faits visuels. Est ainsi ajouté l'intelligence du regard qui manque cruellement à l'appareil photo.
Andrew Loomis

Le cours dirigé commence cette semaine par une double séance de modèle vivant avec le formidable David à la pose.
David est un régal à dessiner avec sa capacité à prendre et tenir des poses dynamiques. En 10 ans d’enseignement, j'ai vu des centaines de modèles poser et David fait incontestablement partie des meilleurs.
Les fusains ont fumé !

Au programme une série de poses de 30 min parce que le dessin rapide est tout simplement le meilleur exercice pour progresser.
Beaucoup d'artistes rechignent à dessiner au profit de la peinture. Grosse erreur !
Parce que le dessin est techniquement la fondation de la peinture et beaucoup de peintures pèchent à cause d'un dessin insuffisant. Mais surtout parce qu'au delà de la technique, un dessin peut tout à fait avoir la puissance d'une grande peinture. Une sonate peut être aussi voire beaucoup plus intéressante qu'une symphonie. La quantité ou la sophistication ne fait pas la qualité artistique d'une oeuvre. Vous rêvez de peintures puissantes mais savez-vous rendre puissant un croquis ... à méditer !

Dessiner avec un temps de pose court permet de :
- Apprendre à synthétiser
- Apprendre à s'adapter (choix du support, échelle, sujet, etc.)
- Obtenir un tracé plus sûr et plus énergique
- Mieux choisir ses sujets
- Optimiser la composition
- Mieux connaitre son matériel graphique

>> Retrouvez moi en cours et en stages pour enrichir votre art !

Les 3 raisons du jour :

Les dessins de cet article ont été réalisés dans le cadre de séances de modèle vivant. Il s'agit non pas de réaliser des "chefs d’œuvres" mais de s'exercer dans le but de progresser, de répéter jusqu'à une plus grande habileté. Parfois, on arrive à quelque chose de satisfaisant, souvent non.  Les contraintes relatives à la séance de modèle sont lourdes et rendent l'exercice difficile (et donc très formateur) notamment pour 3 raisons :

1 Temps imparti : Dessiner en 30 min, c'est très court. Choix du sujet, composition, construction, approfondissement, le temps imparti stresse à travailler plus efficacement.
2 Sujet imposé : Les élèves ne choisissent ni le modèle, ni leur place, ni la pose : Quoi dessiner ? et comment l'exploiter au mieux ? Voilà les 2 questions cruciales qu'il s'agit de se poser avant même de saisir le fusain.
3 Travail d'après nature : Apprendre à dessiner, c'est apprendre à résoudre les problèmes relatifs au dessin et plus largement à l'art.
Quel sujet vais-je dessiner ? Ai-je le le bon recul par rapport au sujet ? A quelle échelle vais-je travailler ? Le travail d'après nature pose (beaucoup) plus de problèmes que celui d'après photos. Il est ainsi plus difficile et donc plus formateur (et inversement). La complexité du travail d'après nature sensibilise à l'ensemble des constitutifs du dessin (la composition, la lumière, les formes, etc.)

Le peintre travaille avec son œil, son cerveau et sa main.
Un artiste qui veut progresser doit travailler les 3 paramètres pour progresser. Mieux voir avec ses yeux, mieux décider avec son cerveau et mieux appliquer avec sa main. La séance de modèle vivant est de loin le meilleur exercice pour progresser et cela depuis 500 ans.
>> Je veux plus de conseils sur le modèle vivant !

Multiplier les productions !

Le prof sensibilise l'élève et lui fait remarquer les qualités, 
les erreurs et indique comment progresser !

La citation du jour :

L'anatomie du dessin est toujours plus importante que l'anatomie du sujet.
Marc Awodey

La virtuosité vint avec la pratique et la répétition. Il n'y a pas d'alternative à la pratique intensive pour avancer significativement. C'est en forgeant qu'on devient forgeron. La qualité vient avec la quantité. Attention, l'artiste dessine avec son cerveau aussi il s'agit de réfléchir à chaque décision prise et sûrement pas répéter mécaniquement.
Après avoir dessiné des dizaines et des dizaines de fusains, je m'intéresse à la technique du pastel sec, excellente transition entre le dessin et la peinture. Il y a là tout un univers à explorer, sans parler de l'apport de la couleur, formidable source de beauté ... Préparez-vous donc à des tonnes de pastels à venir !

Comme le dit très justement Degas, la peinture (ou l'art), c'est très facile quand vous ne savez pas comment faire. Quand vous le savez, c'est très difficile. La complexité vient du fait qu'une oeuvre réunit un ensemble de paramètres qu'il s'agit d'associer au mieux. Le dessin est un apprentissage perpétuel, puisqu'il a à faire avec un traitement de données variables. 

Dans l'apprentissage, il s'agit donc de se sensibiliser à chacun des paramètres tels que :
- Comment mieux s'installer, assis ou debout ?
- Quel recul est-il préférable d'avoir face au modèle ?
- Comment mieux choisir son sujet ?
- Quel matériel graphique choisir ?
- Comment tenir son crayon ? Quelle pression ? Quelle taille de mine ?
- Dans quel sens hachurer ?
- Comment mieux composer ?
- Etc.

>> Retrouvez moi en stages pour solutionner vos problèmes artistiques !

Le step by step du jour :

Décomposer pour mieux composer !

La réflexion du jour :

Comment réussir selon Scott Burdick :
Pour être tout à fait honnête, je pense que la clef du succès en tant qu'artiste est principalement de se dévouer à votre art et de chercher à améliorer sans arrêt celui-ci. Tout le reste découlera de cela. "Le succès" est une chose inconstante et quelque chose que vous ne pouvez pas contrôler. N'essayez pas de changer votre style ou votre propos artistique pour simplement entrer dans des émissions ou des magazines qui, selon vous, vous aideront. En fin de compte, la chose la plus importante est que vous soyez heureux avec votre travail.


Concentration !

La motivation du jour :

Le succès n'est pas final, l'échec n'est pas fatal : c'est le courage de continuer qui compte.
Winston Churchill

Après les 2 semaines de stages intensifs de la Toussaint, c'est la rentrée des classes avec au programme l'introduction progressive au pastel sec !
Après avoir répété, répété encore et encore la construction d'un dessin au fusain, il est temps de mettre tout cela en lumière ... avec bien entendu une présentation du matériel adéquat, des conseils et des démos en veux-tu en voilà !

Le dessin au pastel pose de nombreuses questions tels que :
- Dans quel sens hachurer ?
- Quel pastel choisir pour obtenir la teinte chair ?
- Existe t'il des alternatives au papier abrasif ? (... bien sûr !)
- Comment donner plus de vie à mes dessins ?
- Comment en finir avec la repro de photos ?

>> Retrouvez moi en stages pour solutionner vos problèmes artistiques !


Des élèves concentrés et travailleurs !

Mes 5 conseils du jour :

1 Dans le choix du sujet, se poser la question de son potentiel. Un sujet au potentiel faible risque de produire un dessin faible. Ou alors, il s'agit d'augmenter ce potentiel en effectuant des modifications.
2 Si vous travaillez en couleurs, considérer la couleur en première importance.
3 Regarder les rapports de valurs en cas de travail en monochrome.
4 Le non finito est un exercice subtile. Les élèves ont (la fâcheuse) tendance à vouloir tout dessiner, trop dire, jusqu'au moindre détail sans intérêt. La question est moins de se demander quoi ajouter, mais plutôt quoi supprimer, quoi suggérer, quoi souligner. Les détails doivent pouvoir être justifier.
5 Déterminer un centre d'intérêt à valoriser comme porte d'entrée du dessin.
>> Je veux plus de conseils dessin !

Le step by step du jour ... et que la couleur soit !
>> Retrouvez une sélection de mes meilleurs dessins ici !

La citation du jour :

Les blondes sont souvent remarquées mais les rousses jamais oubliées.
Anonyme