Après Margot, Héloïse, Victor, c'est au tour de David de prendre la pose pour un portrait de 2h30 à l'atelier de modèle vivant du vendredi. Avec ses longs cheveux, sa barbe, j'aime beaucoup peindre David que je connais depuis mes années d'études à l'école d'art de Nancy.

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Depuis quelques jours, je planche sur une technique répondant mieux à ma quête d'expressivité. En effet, je pense que la technique doit être au service de l'intention. Il me fallait donc une manière permettant :
- une peinture plus énergique et gestuelle
- moins statique
- une touche vivante et affirmée

Les réflexions du jour :

Irwin Greenberg dresse ici les 100 recommandations au jeune peintre. A consommer sans modérations !
Morceaux choisis :
1 Peins tous les jours.
3 Suggère
4 Quand tu es bloqué, regarde la peinture des maîtres.
8 Sois ton critique le plus dur
11 Sois exigeant. Mets la barre le plus haut possible
14 Simplifie
20 N'envie pas quelqu'un de plus talentueux. Sois le meilleur possible
21 Les prix c'est cool, mais la véritable compétition est celle avec la peinture précédente
23 Va te coucher en pensant au travail du lendemain
24 Le bon travail est le résultat d'une lutte héroique
30 Pas de lutte, pas de progrès
31 Ne dis pas "je n'ai pas le temps." Tu as autant de temps que les maîtres
35 Demande. Ai soif de connaissances
38 Sois fier de ton travail
42 Sois organisé
46 Observe mieux.
55 Dessine partout et tout le temps. Un artiste est un carnet de croquis attaché à quelqu'un
82 Vermeer a trouvé une vie de travail dans le coin d'une pièce
87 Vise haut, au delà de tes capacités

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Le step by step du jour :



Apprendre à peindre avec méthode !

La citation du jour :


L’artiste ne doit pas copier la nature, mais prendre les éléments de la nature et créer un nouvel élément.
Gauguin

Je peins en moyenne 7 heures par jour. Ma quête au quotidien est la même : comment produire la meilleure peinture possible ? Chaque jour, je vois des dizaines de peintures, je lis des pages de littérature artistique, regarde, compare, analyse des formes, des couleurs, chaque jour, je doute, je peste, je teste, je déchire. Chaque jour je recommence alors que tout pousse au découragement. C'est comme ça que ça rentre, le savoir, le métier, la sensibilité. L'acharnement paye. Question de volonté. Je ris intérieurement quand j'entends certains dirent que l'important est de se faire plaisir.

Au programme du jour, un croquage d'oignons (beurk) le matin et un portrait l'aprem à l'atelier de modèle vivant. Ces derniers temps, j'essaye de produire un max de portraits pour préparer au mieux le stage de ce dimanche à Paris.
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Peindre méthodiquement pour mieux avancer !

Les 5 réflexions du jour :

Comme l'a dit Picasso, Michel Ange et à peu près tous les artistes sérieux, on ne peint pas avec sa main mais avec son cerveau. Voici 5 réflexions qui m'ont traversé la tête en peignant ces oignons :
1 La conception est super (méga) important. Choix du sujet, de la lumière, format du support à peindre, composition de l'image, dispo des objets, fond, support, jeu de couleurs complémentaires, etc .. tout cela est pensé en amont, avant de toucher une brosse.
2 Le sujet est un prétexte à produire une image intéressante. Un fois le modèle parti (fané ou mangé), il ne reste plus que la peinture, il faut donc que celle-ci puisse vivre indépendamment du modèle.
3 Le vrai sujet n'est pas le modèle mais l'expressivité.
4 Il faut apprendre à dessiner en peignant. Ne pas être esclave des tracés du début.
5 Je pense qu les oignons vont être dégustés en tartiflette à midi !

La citation du jour :

Ce qui séduit le plus, dans l’art, c’est la personnalité de l’artiste lui même.
Cézanne

L'autre réflexion du jour :

Jamais l'oeuvre la plus belle ne peut être comprise. La simplicité même repousse parce qu'il faut que l'admirateur ait le mot de l'énigme. Les jouissances prodiguées aux connaisseurs sont toujours renfermées dans un temple, et le premier venu ne peut pas toujours dire : <Sésame, ouvre-toi".
Balzac
Pris par le stage de portrait de samedi, je n'ai pas beaucoup de temps pour peindre. Heureusement, j'arrive à dégager de quoi croquer une pomme ou un portrait rapide.

Avec ce froid, il est important de faire le plein de vitamines, alors on croque une pomme ! Cette peinture a été exécutée dans le cadre d'un cours particulier. Parce que pour apprendre, rien de meilleur qu'une petite démo :

Le step by step du jour :

1 Construction. Il s'agit de schématiser/simplifier les formes du sujet. Pas de détails à ce stade. Avant la construction, ne pas négliger la conception : Pourquoi je peins ce sujet et comment je le valorise ?

2 Le wash. La peinture est dégrossie avec des couleurs synthétiques diluées au white spirit. Noté que le WS ternit la peinture.

3 Approfondissement. Le centre d'intérêt est valorisé par une application de peinture opaque et des couleurs vives.
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La citation du jour :

Donne moi un pommier dans un jardin de banlieue ; ça me suffit très bien ! Je n’ai nullement besoin des chutes du Niagara !
Renoir
Après avoir croqué le trognon de pomme, j'ai filé direction l'atelier du mercredi croquer la trogne du modèle du jour, Victor qui a posé sur l'estrade pendant 2h30 :

Peindre avec méthode : construction, wash, approfondissement !

Les 5 réflexions du jour :

1 Il ne faut pas se contenter de peindre le modèle. Il s'agit de supprimer, d'accentuer, de minimiser ou de remplacer. Par exemple, j'ai remplacé la couleur du drapé de fond qui était gris pour du bleu, pour matcher avec la couleur orangé de la peau (contraste des complémentaires).
2 Il n'y a pas de procédé particulier pour le portrait. Ce sujet se peint comme les autres avec un dessin plus exigeant.
3 Simplifier avant, complexifier après. Détailler trop tôt est une erreur.
4 Une touche fondue peut amollir ou adoucir, une touche brute peut structurer ou être grossière, tout est dans la dosage.
5 Rend grâce pour ce qui est. Wystan Hugh Auden

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Samedi a eu lieu la conférence de mon ami Armelle Brahy sur la thématique La peinture peut elle s'affranchir de la tyrannie du dessin ? dans le caveau du prestigieux Excelsior de Nancy. A cette occasion, j'ai exécuté une démonstration de portrait avec un Christian très expressif qui a pris la pose durant 1h30.
Le rdv fut un succès avec un exposé riche, l’attention du public, ainsi qu'un débat animé.
C'est bon de pouvoir partager la passion de la peinture (et du dessin !) avec autant de monde !

Difficile de s'affranchir du dessin pour ce type d'exercice !

Le dessin ou la forme est un élément capital du langage visuel ! 

Un public captivé ! 

On plisse les yeux !

La peinture c'est 3 quarts et demi de dessin !

Vendredi, c'est le très expressif Youssef qui a pris la pose à l'atelier de modèle vivant où le portrait est à l'honneur désormais une séance sur 3.


Avec le modelé délicat de la peau, la sculpture des volumes, le traitement texturé de la chevelure ou des poils, le portrait est un exercice intéressant pour apprendre à approndir la peinture,
>> Retrouvez moi en stages à Paris pour apprendre à capturer la ressemblance !

Cette peinture en 5 réflexions :

1 J'ai choisi d'associer aux tons rouges-bruns de la tête une imprimature verte pour un contraste des complémentaires.
2 Une composition carrée valorise la tête dans la mesure où la hauteur égale la largeur.
3 L'épaule est un faire valoir de la tête, telle est la raison de sa présence, elle doit demeurer discrète.
4 Les teintes rouges ont été un peu saturées (oreille, nez, joue) pour plus d'expressivité.
5 De la lumière réfléchie chaude est présente dans les zones d'ombre.
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Le portrait après 30 min. 
Une peinture doit être juste à tous les stades de sa création

La réflexion du jour :

Un peintre doit considérer tout ce qu'il voit comme étant là entièrement pour son usage et son plaisir personnels. Or, comme le modèle qu'il copie si fidèlement n'a pas pour vocation d'être accroché à côté du tableau, puisque le tableau sera là, seul, il n'est d'aucun intérêt de savoir s'il s'agit d'une copie fidèle du modèle. C'est de ce que le tableau est en lui-même, de ce qui se trouve là sous le regard, que dépend entièrement son caractère convainquant ou non. Le modèle ne devrait remplir pour le peintre qu'une fonction très personnelle, celle de de lui fournir le point de départ de son excitation. Le tableau est tout ce à quoi il attache de l'importance, tout ce qu'il estime qu'il vaille la peine de conserver de son modèle, tout ce dont il l'investit. Si toutes les qualités qu'un peintre enlevait à son modèle pour les attribuer à son tableau étaient réellement retirées du modèle, personne ne pourrait être représenté deux fois en peinture.
Lucien Freud

La citation du jour :

Chaque fois que je peins un portrait, je perds un ami.
Sargent

La vidéo du jour :

C'est la flamboyante Alexia qui a pris une série de poses de 30 min hier à l'atelier de modèle vivant du mercredi.
J'aime beaucoup dessiner au fusain sur du papier blanc. Le contraste du noir sur blanc donne à la représentation une grande expressivité. Cependant l'utilisation de ce papier est problématique. En cas d'erreur, gommer ne permet pas de retrouver le blanc du papier, il reste une trace. Pas le droit à l'erreur ? Oui et non.

Cette problématique a du bon. Il pousse l'artiste a :
- Gagner en assurance. Privilégier la spontanéité à l'exactitude pour un dessin plus vivant.
- Comprendre qu'un bon dessin excuse de petites erreurs. Pas les grosses erreurs bien entendu. Une précision trop importante peut tendre vers la superficialité et le statique.
- Penser beaucoup plus. Choix du sujet, centre d'intérêt, composition. Tout doit être pensé jusqu'au moindre trait. Longueur, épaisseur, orientation, finesse, valeur, etc Chaque geste est précédé d'une réflexion comme le ferait un calligraphe.
- Plus de réflexion entraine moins d'informations et plus d'intention, Trop d'infos inutiles peut entrainer la confusion. Or la confusion peut être vectrice de laideur.

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La réflexion du jour :

Quand j'étais étudiant, j'ai participé une fois à un cours de peinture qui durait 3h et par la suite je me suis entrainé à finir la peinture durant ce laps de temps. Plus tard, j'ai pris des cours particuliers avec le même prof, mais cette fois les sessions ne duraient que 2 heures. Naturellement j'ai adapté ma pratique à ce nouvel horaire. En l'espace de quelques semaines, j'ai appris à terminer une peinture en 2 heures. Bientôt j'en arrivais à me demander ce que j'avais bien pu faire avant durant la 3e heure supplémentaire !
Le temps est précieux et vous devez vous forcer à peindre le plus vite possible, tout en faisant attention à ne pas perdre un iota de la qualité. Get it right est plus important que get it done !
John Howard Sanden

>> A lire ou relire : 8 conseils pour booster vos nus !

La 2e réflexion du jour :

Tout ce qu'on fait hardiment et comme à la volée, prend un air élégant et gracieux : c'est une vérité d'expérience que l'on ne saurait nier.

Si l'on trace un ornement ou une lettre majuscule à main levée, l'ouvrage a toujours plus d'élégance, malgré ses imperfections, que celui qu'on aura tracé péniblement et posément avec toute l'attention et la symétrie possibles. Il en est de même d'une touche hardie. Qu'on l'exécute avec le pinceau, le crayon ou la plume, elle a je ne sais quoi d'attrayant et de spirituel qui décèle d'autant mieux le talent et l'intention de celui qui l'a faite, qu'il a mis moins d'hésitation à la produire : il semble que le sentiment de l'artiste passe dans ses doigts avec la rapidité du fluide électrique. S'il hésite, s'il s'arrête dans l'espoir de faire mieux, l'inspiration se refroidit, il ne fera pas aussi bien.

Voilà pourquoi un croquis fait par un homme habile donne tant de plaisir à un véritable connaisseur; voilà encore d'où vient la difficulté, pour ne pas dire l'impossibilité, de copier un croquis spirituel, malgré les négligences et souvent même les incorrections qui s'y trouvent. Vous n'y verrez ni un dessin bien pur ni la douce harmonie qu'on admire dans un dessin soigné et châtié; mais il exprime plus de choses de la patience dénuée de verve, de chaleur et de sentiment. Exprimer beaucoup avec quelques traits de crayon, n'est ce pas la même chose que de communiquer beaucoup d'idées en peu de mot ? Or tout homme qui peut faire un croquis ou une esquisse spirituelle, doit avoir nécessairement une touche spirituelle, même dans ses ouvrages les plus travaillés, si d'ailleurs il a acquis assez d'expérience pour être maître du maniement de la couleur.
MLP Bouvier

La citation du jour :

Il faut réfléchir, l’œil ne suffit pas.
Cézanne

Avec des carottes et des clémentines, l'orange était aujourd'hui à l'honneur dans l'atelier ! La couleur est une dimension capitale en peinture. Teinte, valeur, température, vivacité, la couleur est une notion complexe et comme les autres composantes du langage visuel, elle nécessite une certaine sensibilité pour la manier avec goût.

Pour cette peinture, 5 pensées me sont venues :
1 Il n'existe pas de couleur moche, juste des associations colorées plus ou moins heureuses.
2 Le sujet doit dominer le support à peindre.
3 Il y a de la beauté partout, jusque dans les sujets les plus simples comme une carotte. Reste à la révéler. La véritable beauté n'est pas évidente. L'évidence est souvent ennuyeuse et sans surprise.
4 Une manière (de peindre) trop léchée peut paraître sans caractère. Une manière trop brutale peut paraître grossière.
5 Courir après la variété et les contrastes !

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La réflexion du jour :

Qu'est ce que la beauté d'une peinture ? S'il est difficile de définir la beauté, des éléments de celle-ci existent. Dans son ouvrage The eye of the painter and the elements of beauty, Andrew Loomis décompose la beauté en 12 éléments :
1 Unité. L'organisation de l'image, quand la couleur, ligne, valeurs, textures et sujet forment un tout cohérent.
2 Simplicité, ou clarté. Quand tous les éléments de la peinture participent de l'intention initiale.
3 Composition. Les relations entre les parties, formes et couleurs de la peinture.
4 Proportion. Relations harmonieuses entre les parties de la peinture. La distorsion est opposée à la proportion. Une distorsion peut être légitime quand une idée ou une émotion a besoin d'être soulignée.
5 Couleur. Un des éléments les plus puissants de la beauté. La relation couleur/valeur doit être bien comprise.
6 Rythme. Souvent sous estimé ou incompris. Sans rythme, la forme est statique et sans vie. La répétition de couleurs ou lignes similaires créé du rythme dans une peinture comme dans la nature.
7 Forme. Tout est soit forme, soit espace et l'un ne peut pas exister sans l'autre.
8 Texture. L'apparence d'une surface. Chaque forme présente des spécificités et cela est aussi important que sa structure. Nous ne pouvons pas parvenir à la beauté véritable quand tous les types de surfaces sont peints de la même manière.
9 Valeur. La valeur et la couleur sont inséparables et l'un dépend de l'autre. Une valorisation juste du sujet contribue ç l'unité de la peinture.
10 Qualité de la lumière. Un élément de première importance. Il y a plusieurs types de lumière : lumière diffuse, contrastée, réfléchis, etc.
11 Choix du sujet. Le choix du sujet définit le goût de l'artiste.
12 Technique. La technique comprend la compréhension de la surface à peindre, le médium et les différentes méthodes d'application de la peinture.

2e peinture du jour. L'orange est le véritable sujet !

La citation du jour :

La fraîcheur du début d’une peinture est importante. Si vous reprenez vos premiers traits/touches plus tard en pensant les améliorer ou les soigner, vous allez perdre cette chose importante et il n'existe aucune méthode pour les retrouver. Ils sont partis pour de bon. Laissez les touches/traits avec un aspect rugueux, plutôt que d'essayer et de les adoucir. Il y a là une certaine inspiration qui vient lorsque vous travaillez avec rapidité, assurance et enthousiasme face à la beauté de la lumière. Vous devriez laisser ce travail et y revenir plus tard pour réaliser à quel point il est bon, et qu'il ne doit pas être repris.
Frank Benson
>> Retrouvez des tas de réflexions formidables de Benson !

De retour du stage de modèle vivant à Paris ! Un dimanche instructif et productif occupé à croquer des poses au fusain ou en peinture sous l’œil exigeant du professeur.
Un grand merci aux élèves pour leur concentration, et l'ambiance très sympathique ! Rdv début décembre pour le prochain stage consacré au portrait !

>> Programmation des stages ici !

Démo de 2 heures peinte durant l'atelier libre

Les réflexions du jour :

J'ai peint ce portrait de la très inspirante Héloïse, nue sous un grand manteau de (fausse) fourrure. Ci-dessous, une série de 10 réflexions émises avant/pendant la peinture et durant le stage en général :

1 Le sujet doit dominer le support. Un cadrage serré valorise le sujet. Un cadrage large valorise l'espace autour du sujet.
2 Travailler à peu près à échelle 1 pour éviter agrandissement ou réduction. La séance de modèle vivant est suffisamment contraignante, autant limiter les problématiques.
3 Choisir le sujet en fonction du recul. Plus je m’éloigne, plus la taille du sujet diminue, plus je le simplifie.
4 Le sujet de cette peinture est la lumière. La valeur du drapé gris derrière le modèle a été assombrie entre autres à ce but. Il s'agit donc souvent de faire des modifications pour augmenter le potentiel du sujet.
5 Les contrastes dynamisent une peinture. Les natures de contrastes sont multiples : grand/petit, sombre/clair, vif/terne, lisible/illisible, chaud/froid, etc
6 Pour une peinture plus expressive, accentuer les sombres, les clairs, les vifs, les grands.
7 La peur, la crainte, "je n'ose pas", freinent la progression de l'artiste. Osez bordel !
8 Le dessin structure la peinture. Un dessin insuffisant affaiblit considérablement une peinture.
9 Il n'y a pas de 'trucs' en peinture. Le vite fait est en général inconsistant et impressionne peut être l'amateur mais pas l'initié. Travailler vite est une chose, mais le but est de faire de la bonne peinture.
10 L'important est d'apprendre. L'expérience enrichit le savoir et la maîtrise. Ne chercher pas le chef d'oeuvre, pratiquez et engranger de la connaissance !

>> Je veux plus de conseils peinture !

Des élèves uber concentrés ...


... et inspirés !

La citation du jour :

Je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je pense.
Pablo Picasso

Plus que 4 jours avant le nouveau stage de modèle vivant à Paris !  Le modèle vivant est certainement le meilleur exercice pour progresser en dessin/peinture. Oui, mais pourquoi ?

La réflexion du jour :

La séance de modèle vivant est très (très, très) contraignante. En effet, lors d’une séance de modèle vivant, l’élève ne peut choisir ni le modèle, ni le point de vue, ni le temps imparti.

Le modèle :
Certains préfèrent les modèles tout en rondeurs à la Rubens, d’autres les corps athlétiques façon Apollon , certains se sentent inspirés par les poses lascives, d’autres par les poses expressives, etc. Il y a autant de goûts que d’élèves et il est naturellement impossible de satisfaire les préférences de chacun. En réalité, le modèle n’est qu’un prétexte pour travailler. Le but de l’exercice est d’ apprendre à rendre la représentation de celui-ci efficace … et cela peu importe le physique ou la pose.

Le point de vue :
En général, les points de vue sont distribués de façon aléatoire en début de séance par tirage au sort. L’élève peut ainsi se voir attribuer un point de vue plus ou moins proche du modèle. Il s’agit donc d’adapter l’échelle de sa représentation en fonction du recul que l’on a du modèle.
De plus, certains points de vue valorisent une posture, et d’autres moins. Dans le cas où celui-ci n’est pas très heureux, l’élève a la possibilité de ne représenter qu’une partie de la pose comme par exemple, une nuque sexy ou une main reposant sur une cuisse.

Le compte à rebours :
La durée des poses est variable et oscille généralement de quelques minutes à 3 heures. Il peut arriver aussi qu’une pose dure plusieurs séances. Le temps de pose est certainement la contrainte la plus importante. Il s’agit pour l’élève de bien gérer le temps imparti en organisant sa représentation. Un temps imparti stressant va inciter l’élève à travailler plus rapidement (décisions, gestes), soit gagner en efficacité.

Il est important d’intégrer que dans l’apprentissage les contraintes sont formatrices ! Un élève capable de se libérer d’une contrainte est un élève qui progresse. Par contre, un élève bloqué par une contrainte aura des difficultés à avancer.
La séance de modèle vivant sensibilise donc l'artiste au choix d'un sujet, à sa valorisation et donne un coup de boost à sa technique avec le temps de travail limité.

>> Avez vous lu ces 8 conseils pour booster vos dessins ? 

Avec la préparation des stages, il me reste peu de temps pour la création. J'en profite pour expérimenter de nouveaux supports, médium et techniques et réfléchir à de nouveaux procédés :

Amarin, pose de 40 min !
Dilution, absorption, transparence, opacité, variété de touches, l'encre permet un rendu d'une grande expressivité avec des moyens simples. Cette technique ainsi que beaucoup d'autres sont abordées durant les stages.

Avec tous ces dessins, il ne faut oublier de peindre ! 


Test de supports et médiums à peindre !

La citation du jour :

Le chant est à la parole ce que la peinture est au dessin.
Duc de Lévis


 Pas de dimanches pour les artistes ! Dessins, cours particulier, exposition, cette journée a été artistiquement over chargée !
Tout d'abord, une matinée passée à dessiner avec une série de poses de 40 min au fusain.
Pour le débutant, cette technique parait souvent hasardeuse et salissante. Avec la pratique, l'artiste apprend à dompter le fusain, grâce à une accumulation de savoirs et une maîtrise du geste. La maîtrise du médium permet une expression complète. Attention, la technique n'est pas une finalité, elle permet simplement de s'exprimer visuellement. C'est un langage, reste après à écrire une histoire visuelle ..

>> Rdv en stage pour tout savoir sur le fusain !

Travail de la ligne et travail de la masse !

Les 10 principes du jour :

1 Un dessin doit avoir une intention
2 Un centre d'intérêt doit attirer le regard
3 Courir après les contrastes pour plus de dynamisme
4 La composition est plus importante que le contenu d'une peinture
5 Déterminer les valeurs en comparant
6 Dessiner les relations et non des éléments isolés
7 Demandez vous ce qu'il faut supprimer plutôt que ce qu'il faut ajouter.
8 Quand 2 valeurs sont voisines, regrouper les en une seule. Plissez les yeux et simplifiez
9 Le dessin doit être lisible de loin comme une affiche.
10 Chaque ligne, chaque action doit être précédé d'une intention.

Work, work !

La citation du jour :

Un sein, c'est rond, c'est chaud. Si Dieu n'avait créé la gorge de la femme, je ne sais si j'aurais été peintre.
Pierre Auguste Renoir
Après avoir fait fumer les fusains, j'ai filé direction le musée des Beaux arts pour l'exposition Emile Friant, le dernier naturaliste ? Une exposition fournie et intéressante avec des œuvres maîtresses, de petites études préparatoires, des réalisations d'étudiant des Beaux arts. Un bémol concernant l'éclairage très mauvais avec de nombreuses œuvres plongées dans l'obscurité.

 Petite claque de modestie avec ces autoportraits d'adolescent (17 ans me semble t'il) !

Il est bien fini le temps où les étudiants des écoles d'art planchaient sur des plâtres pour aiguiser leur regard !

 Académies peintes. Intéressant ce fond clair pour faire ressortir la peau noire !

 A gauche, une étude préparatoire aux fameux Amoureux !

Etude préparatoire à la légendaire Toussaint !

 Hmmm, ces bas rouges sexy ! Une idée pour l'atelier de modèle vivant du vendredi !
Cartel : Cette scène est reprise du fusain Nu debout auquel Friant ajoute la couleur rouge et brosse en arrière plan son atelier bohème.

Des compos à la Meissonier !

Du bon et du moins bon chez Friant. Quelques oeuvres fortes mais également beaucoup de mièvre dans le choix des sujets, un sens des couleurs critiquable et une manière (trop) léchée.
Rien de meilleur pour progresser que la séance de modèle vivant !

Exercice exigeant, l'élève ne choisit ni le modèle, ni la pose, ni le point de vue, ni le recul, ni le temps de pose.
Ces nombreuses contraintes posent une série de problématiques pouvant déstabiliser. Quelle composition ? Quel centre d'intérêt? Quel format ? Quelle technique ? Pourquoi je peins ce sujet ? Comment le valoriser ?
La résolution de ces problématiques est très formatrice et va impacter en profondeur la pratique picturale de l'élève au niveau de sa conception.

J'anime le dimanche 13 novembre 2016 (Paris) une masterclass pour apporter un éclairage sur la représentation du nu.
Des poses courtes, des poses longues, du portrait, dessinés ou peints, donnez un coup de fouet à vos modèles vivants !
Parce que savoir peindre un nu de façon juste, c'est savoir tout peindre ! 

>> Toutes les infos du stage ici !
>> Mes prochains stages 2016 !


Une approche méthodologique du dessin et de la peinture pour une pratique structurée !

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